En palabras del empresario y mánager musical, William Fernando Guaqueta Rodríguez, mejor conocido en la industria musical como Willi Dgr, tras la llegada del internet muchos aspectos de la sociedad se modificaron, incluyendo el movimiento musical, el cual ha sufrido grandes cambios desde los conciertos hasta las plataformas digitales, con las cuales, las y los artistas han encontrado un nicho para diversificar sus ingresos.



Tan solo de 2020 a 2021, el streaming de música supuso el 83% de los ingresos de la industria, de acuerdo con el último informe publicado por la Recording Industry Association of America (RIAA). 



Entre las principales plataformas de transmisión, Spotify y Apple Music encabezaron la lista al generar entre ambas, un total de 7 mil millones de dólares en ingresos, con un número promedio de suscripciones (en Estados Unidos) que aumentó desde los 60,4 millones hasta los 75,5 millones de usuarios.



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Por ello es por lo que, hoy en día, gracias a las gigantes plataformas como Youtube, Spotify, Apple Music entre muchas otras, muchos artistas han conseguido darse a conocer y ganar un público propio.



En este sentido, Willi Dgr, señaló que la industria musical ha aumentado si rentabilidad gracias a las plataformas digitales y shows vía streaming.



“Las plataformas digitales y el internet en general acercan a los artistas con su audiencia. Puedes estar literalmente del otro lado del mundo y acercarte a tu cantante favorito, presenciar un concierto vía streaming e incluso, interactuar con ellos, lo que se convierte en reproducciones y, por ende, en ingresos para las y los artistas”, mencionó el empresario de origen colombiano.



Asimismo, añadió que estos espacios les dan un mayor alcance y visibilidad a los artistas, generando mayores ingresos incluso por encima de las presentaciones en vivo tradicionales, por lo que en palabras de Willi Dgr, el streaming musical se perfila como una de las propuestas más importantes dentro del mercado de entretenimiento.



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Finalmente, comentó que en la actualidad los artistas urbanos compiten directamente con personajes como los Rolling Stones, U2, Dua Lipa y Justin Bieber, por mencionar ejemplos, por lo que este género irá posicionándose cada vez más en los siguientes años.



Con 10 años de carrera, Willi Dgr ha logrado posicionar a grandes exponentes de la música urbana. Billboard ha enaltecido su trayectoria musical como mánager. Además, ha colaborado en producciones con artistas como Maluma, Luny Tunes, y Tainy, de la mano de grandes disqueras de la talla de Warner Music y Sony Music.



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Willi Dgr, empresario y mánager musical. Foto: Archivo particular.

Willi Dgr - manager emepresario musical

¿Qué viene para el futuro de la industria musical?

El consumo medio de música en el mundo se ha disparado este año hasta 20,1 horas semanales, más de un 9 % por encima de las 18,4 horas que se registraban en 2021, según un informe publicado hoy por la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI, en inglés).



La organización con sede en Londres, que agrupa a las principales discográficas mundiales, divulgó los resultados de una encuesta en la que han participado 44.000 personas en más de 20 países.



Entre ellas, el 46 % aseguran que están suscritas a servicios de pago para escuchar música en &#8220;streaming&#8221; que ofrecen acceso bajo demanda a millones de temas.



La industria constata además que las aplicaciones de &#8220;vídeos cortos&#8221; juegan también un papel central en el consumo de entretenimiento: el 63 % de los encuestados aseguran utilizar ese tipo de aplicaciones, en las que &#8220;la música juega un papel central&#8221;, afirmó la IFPI en un comunicado.



Más de tres cuartas partes de los participantes en el estudio consumen contenidos musicales en más de un formato y la mayoría de ellos cita más de seis vías por las que escuchan música, desde los servicios de &#8220;streaming&#8221; de audio y vídeo, hasta la radio tradicional, la televisión, el cine y los videojuegos.



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La música, constata la industria, es un componente &#8220;integral para el bienestar físico y mental&#8221; de las personas. El 69 % de los encuestados asegura que es importante para su salud mental y el mismo porcentaje destaca su utilidad para acompañarles mientras hacen ejercicio.



La variedad de la oferta permite que los participantes en el estudio hayan citado más de 500 géneros musicales predilectos, más allá de los más populares, como el hip-hop, el rock y el pop.



El &#8220;música sertaneja, la samba, el disco-polo y el dangdut contribuyen a la rica mezcla de músicas locales y globales disponibles&#8221;, subraya la IFPI.



El informe refleja &#8220;un fascinante escenario sobre cómo los aficionados en todo el globo escuchan e interactúan con la música hoy en día&#8221;, señaló la consejera delegada de la Federación, Frances Moore.



Al mismo tiempo, la directiva subrayó que &#8220;continúa el trabajo para asegurar que aquellos que tratan de aprovecharse de la música sin licencia y sin autorización no pueden amenazar la viveza del ecosistema musical&#8221;. 



EFE

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Más de 20 horas semanales se dedican a escuchar música, según informe

Nueva York se prepara para celebrar por todo lo alto el próximo año el 50 aniversario del nacimiento del hip-hop, que nació en el 1520 de la avenida Sedgwick en El Bronx, y que pasó de género callejero prohibido a ser una música de alcance mundial y una empresa millonaria.



Para esta celebración de 12 meses en 2023, que abarcará todos los condados, y que tendrá un elemento educativo, la ciudad se ha asociado con el Museo del Hip Hop, que se construye en El Bronx, condado donde surgió este estilo de música y baile en una de las fiestas que organizaba el pinchadiscos DJ Kool Here y su hermana Cindy Campbell.



&#8220;Feliz cumpleaños al hip hop. El hip hop cumple 50 años, vamos a tener una fiesta de celebración como nunca antes habíamos presenciado y en lugares donde históricamente les negaron su derecho a estar ahí. El nacimiento del hip hop está aquí, en Nueva York&#8221;, afirmó este lunes con satisfacción el alcalde de la ciudad, Eric Adams, quien en anteriores ocasiones ha dicho que debe a este género ser quien es.



Como parte de la celebración también habrá venta de productos relativos a este popular género que salió de un barrio para convertirse en un protagonista en el mundo de la música. Adams hizo el anuncio durante una rueda de prensa en la Alcaldía rodeado de figuras vinculadas a esta música, entre ellas el director del museo, Rocky Bucano.



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&#8220;Cuando estos hermanos y hermanas estaban comenzando este increíble género musical, nadie lo quería. Fue rechazado. No se podía ver por ningún lado. Y hasta fue criminalizado. Pero siguieron adelante y fueron lo suficientemente audaces para ser fieles a sus artes y oficios&#8221;, señaló un emocionado Adams, que cambió los elegantes conjuntos que lo caracterizan por ropa desenfadada, como suelen vestir los artistas del género.



&#8220;Recuerdo correr a casa para ver Video Music Box. Ralph y yo fuimos juntos a la escuela secundaria&#8221;, dijo al referirse a la serie de televisión que fue la primera en presentar videos de hip hop, creada en 1983 por Ralph McDaniels y Lionel C. Martin, que eran también los anfitriones del programa, que se transmitió por el canal de la ciudad de Nueva York entre 1984 y 1996.



McDaniels estuvo entre el grupo que asistió a la Alcaldía e informó de que todas las bibliotecas y museos de la ciudad estarán involucradas en la campaña de educación sobre el hip hop.



&#8220;Todas las instalaciones educativas participarán en esto porque creo que es importante. El hip hop usa más palabras que cualquier otro género musical y creo que es importante que nuestros jóvenes sepan cómo usar esas palabras y hacer que funcionen para ellos, para que puedan llegar más lejos&#8221;, señaló.



&#8220;La educación es el quinto elemento del hip hop, y eso también estará representado en esta celebración&#8221;, afirmó. 



EFE

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Así celebrará Nueva York los 50 años de una industria musical millonaria

“Todavía siento que el corazón se me acelera cuando recuerdo el momento en el que vi la foto. Cuando me vi ahí en ese lugar, se me aguaron los ojos, y sentí que estaba representando no solo todo lo que ha sido este trabajo musical de tantos años y de tanto esfuerzo, sino también el de muchos colegas y amigos artistas, ya que no es nada fácil ser artista independiente en este país”, expresa María Cristina Plata, en entrevista exclusiva con Forbes.&nbsp;



A través de su cuenta oficial de Twitter, el pasado 23 de septiembre compartió con sus seguidores una fotografía suya en los grandes carteles publicitarios que adornan las concurridas calles de Times Square en Nueva York. Era una imagen que la presentaba como una de las artistas de Equal, la iniciativa de Spotify que aboga por la igualdad de género en el negocio.&nbsp;



La de ella ha sido una vida dedicada a la música. Pese a que quiso darle una oportunidad a la psicología, pensando en que no podría vivir del arte, la fuerza de la pasión pudo más y decidió arriesgarse a consolidar su proyecto artístico. Un riesgo que la llevó a uno de los pasajes más turísticos de la gran manzana. 



<figure class="wp-block-embed is-type-rich is-provider-twitter wp-block-embed-twitter"><div class="wp-block-embed__wrapper">
<blockquote class="twitter-tweet" data-width="550" data-dnt="true">NO ME LO CREO!!! 🔥 MI CARA EN TIME SQUARE NEW YORK!! Gracias <a href="https://twitter.com/SpotifyColombia?ref_src=twsrc%5Etfw">@spotifycolombia</a> POR ESTO TAN GRANDE! Gracias infinitas a todos los que me escuchan día a día, a los que apoyan mi música y creen en ella. Esto es de ustedes. <a href="https://t.co/sFF4kcP596">pic.twitter.com/sFF4kcP596</a>&mdash; Maria Cristina Plata (@mariacrisplata) <a href="https://twitter.com/mariacrisplata/status/1573274234788655104?ref_src=twsrc%5Etfw">September 23, 2022</a></blockquote><script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script>
</div></figure>



Originaria de Bucaramanga, la cantante de 35 años se considera una “amante de la música de los países”; de ahí que no se haya encasillado en un solo género. Inicio explorando ritmos de la región andina colombiana, influencia que todavía permanece en su estilo, y a lo largo de estos años se ha aventurado a hacer vallenatos, bullerengues, bambucos, bachatas y boleros.



En conversación con este medio afirma que cada momento que ha dedicado a su proyecto musical ha sido significativo, pero es sincera en reconocer que este es quizá uno de los mejores tiempos para su carrera, debido a que está siendo testigo de la materialización de sus sueños, conquistando nuevas audiencias y compartiendo escenarios con artistas de la talla de Piero, Andrea Echeverri y Monsieur Periné.



“Amo los conciertos, las giras, encontrarme con las personas que me escuchan en diferentes lugares del mundo y sentir que pasan cosas grandes gracias a que hago lo que más me apasiona. Todo ha sido construido con años de trabajo y entrega y por eso me siento muy agradecida por todo lo que está pasando con mi carrera”, resalta. 



Su más reciente sencillo ‘No dudo’ fue el tiquete de entrada al mundo de los bachateros, un ritmo que no había contemplado antes, pero que hace parte de ese ejercicio por conocer y experimentar con las expresiones culturales de los países. 



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“La bachata es un género de República Dominicana, pero también tiene mucha influencia del bolero y de la música cubana y africana. Realmente he disfrutado mucho de este proceso que ha tenido pocas pretensiones, pues ha sido espontáneo y divertido, así como la canción misma”, explica.



Con esta canción, María Cristina conquista un territorio cuyos referentes son en su mayoría masculinos. “Hoy me alegra ser parte de la cuota femenina que incursiona en este género, esperando seamos cada vez más mujeres en esa labor”, añade.&nbsp;



Entre sus futuros proyectos está continuar con el tour ‘Como el Mar’, que ya recorrió Bogotá, Pasto, Medellín, Manizales, Pereira, Armenia, Cali, Barrancabermeja y Bucaramanga, llegando a más de 2.000 personas alrededor del país en los diferentes conciertos. Igualmente, ha crecido hasta cinco veces en plataformas digitales, alcanzando más de 70 mil oyentes mensuales en Spotify, más de 9 millones de vistas y 69 mil suscriptores en YouTube.



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MCP - Photo Zuan Carreño (1)

La bumanguesa que brilló en el Times Square con su música

Bilbao International Music Experience (BIME) celebró su décimo aniversario, al tiempo de reflexionar sobre los retos que están por venir en el sector músical, establecer alternativas que favorezcan a la industria y multiplicar los flujos artísticos y profesionales entre América y Europa. Y la presencia de Colombia se hizo sentir con fuerza.



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<figure class="wp-block-image size-large"><img decoding="async" src="https://cdn.forbes.com.mx/2022/10/BIME-2022-2-1024x576.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Foto. BIME Bilbao</figcaption></figure>



El país participó con una nutrida delegación dirigida por Leila Cobo, vicepresidenta de Contenido Latino de Billboard; Mónica Zuluaga, directora de mercadeo digital e innovación de Caracol Next; Beatriz de la Pava, periodista de la BBC de Londres; Mauricio Salazar, director General de Social Colectivo y TedX Bogotá, entre otras figuras.



Esto como parte de la relación que surgió tras la edición de BIME en Bogotá, la primera sede del icónico encuentro en América, que tuvo lugar los primeros días de mayo. 



El evento se desarrollo a partir de dos ejes de acción: BIME Pro dedicado al ámbito profesional y BIME LIVE enfocado al público en general. Además de propiciar todo un movimiento de música en vivo, también pone en lo alto del escenario tendencias e innovaciones en la industria musical y las sinergias entre sus protagonistas en diferentes regiones del contienente americano y europeo, así como descubrir talento emergente.



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="1024" height="450" src="https://cdn.forbes.co/2022/10/image-60.png" alt="" class="wp-image-158109" srcset="https://cdn.forbes.co/2022/10/image-60.png 1024w, https://cdn.forbes.co/2022/10/image-60-300x132.png 300w, https://cdn.forbes.co/2022/10/image-60-768x338.png 768w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



<h2 id="h-los-desafios-que-enfrenta-la-industria">Los desafíos que enfrenta la industria</h2>



En una entrevista para Forbes Life, Leila Cobo señaló que la industria de la música está sujeta a un perpetuo cambio e inumerables desafíos. Además asegura que el mayor reto que ha enfrentado es la Covid-19 y que, a pesar de las condiciones que impuso la crisis de salud, el sector logró sacar una gran cantidad de música al mercado. 



&#8220;Actualmente salen alrededor de 60 mil canciones al día y eso es mucha música&#8221;, destaca Cobo, quien además agrega que el género urbano — el reggaetón, el trap latino, las mezcalas de pop y el dance con beats urbanos— se ha posicionado como una de las tendencias en el sector musical. 



También enfatiza que uno de los principales objetivos que persigue Billboard es difundir la música para que todo el mundo la conoza.



<figure class="wp-block-pullquote"><blockquote>&#8220;La industria de la música latina está en su mejor momento. El reto es continuar.&#8221;<cite>Leila Cobo, vicepresidenta de Contenido Latino de Billboard</cite></blockquote></figure>



<figure class="wp-block-image size-large"><img decoding="async" src="https://cdn.forbes.com.mx/2022/10/BIME-2022-1-1024x576.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Foto. BIME Bilbao</figcaption></figure>



Entre los participantes de los paneles también estuvieron presentes figuras como Afo Verde, presidente y CEO de Sony Music Latin-Iberia, quien además es el responsable de llevar a la cima a estrellas como Bad Bunny, Rosalía o Camilo; Rebeca León,&nbsp;manager de Rosalía, la artista española;&nbsp;Neneh Cherry, artista e icono cultural con más de 30 años de experiencia; Christine White, programadora de más de 500 actuaciones de Jazz &amp; del Heritage Festival de Nueva Orleans, además de Jeff Rona, premiado compositor para legendarios como Ridley Scott o Steven Spilberg, solo por mencionar algunos.



Así, después de la pausa que impuso la pandemia, BIME Bilbao logró reunir del 26 al 29 de octubre a 4.500 profesionales de 50 países diferentes, al tiempo de ofrecer 65 conciertos gratuitos en diferentes puntos de la ciudad.



Cabe destacar que la edición 2023 de BIME Bogotá se realizará del 2 al 5 de Mayo.



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BIME-2022

Colombia participa en el Encuentro Internacional de la Música en Bilbao

Cuando Bruno Mars se detuvo en el Madison Square Garden el año pasado durante su 24K Magic Tour, no sintió la necesidad de disfrazarse: subió al escenario con zapatillas, pantalones cortos y una camiseta de béisbol color pastel con la palabra “HOOLIGANS” al revés en el frente. Periódicamente, la pirotecnia de grado de artillería golpeó los tímpanos de la multitud, mientras que aquellos algunos sintieron las llamas lo suficientemente cerca como para chamuscarles una ceja. Como me dijo Mars la última vez que lo entrevisté: “Tienes que ser intrépido, hombre”.



El cantante de “Uptown Funk”, que cerró su presentación en Nueva York con la canción cuyas más de 3 mil millones de visitas en YouTube la colocan entre las diez mejores de todos los tiempos, puede hacer lo que quiera en estos días. Además de ser una de las estrellas más grandes en el firmamento musical, Mars se encuentra entre un puñado de actos de alto perfil que ya no responden a un manager de artista tradicional, sino que eligen tomar el control de su propia carrera, como él desde hace dos años.



Para Mars, de 32 años, el cambio ha valido la pena. Obtuvo más de mil millones por derechos de transmisión durante el año pasado, obtuvo seis premios Grammy y recaudó 100 millones de dólares antes de impuestos, la mejor cantidad de su carrera; su gira ha recaudado más de 300 millones desde su lanzamiento en 2017, colocándolo en el número 11 en Forbes’ Celebrity 100 y asegurando su lugar como el músico mejor pagado de Estados Unidos. Lo mejor de todo es que Mars no tiene que entregar hasta el 20% a un manager, en cambio, confía en el personal asalariado, con un costo estimado de seis cifras bajas, una configuración que debería ahorrarle al menos 10 millones solo este año.



Por supuesto, entregar una parte de los ingresos no es un anatema para todos los músicos. Muchos de los actos mejor pagados de la industria todavía dependen de managers de alto nivel: desde U2 (que son manejados por Guy Oseary y ganaron 118 millones el año pasado) hasta Katy Perry (Martin Kirkup, Bradford Cobb y Steve Jensen, 83 millones) y Calvin Harris (Mark Gillespie, 48 millones de dólares). Dados esos números, algunos argumentan que una guía bien conectada puede resultar ser una ganga.



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“Depende de si lo ve como una renuncia del 10 al 20% o si lo ve como alguien que va a incorporar a su organización y que agregará más del 20% de valor a su negocio”, dice Gillespie. “Si tiene un negocio grande, quiere que las personas estén motivadas para crecer y construir ese negocio, y que estén alineadas con usted. Creo que la razón por la que ha funcionado históricamente para nosotros durante mucho tiempo es porque trae esa alineación”.



Sin embargo, otros músicos en la Celebrity 100 de Forbes han evitado a los managers, por varias razones. Para Beyoncé, en parte fue una forma de liberarse de un padre controlador; para Taylor Swift, el razonamiento puede haber tenido que ver con una preferencia por su red de apoyo existente; para Jay-Z, Diddy y Dr. Dre, los tres mejores músicos de Estados Unidos en términos de patrimonio neto, dirigir sus propias carreras parece ser parte de sus identidades como self made millonaires.



“Los managers han existido, pero en realidad solo para Puff Daddy el artista y realmente no en el sentido tradicional de… un manager es alguien que le dice a un artista qué hacer”, dijo el abogado de Diddy, Kenny Meiselas, en una entrevista para mi libro, 3 Reyes. “Más como una especie de mano derecha, que lo ayudaría a ejecutar en el lado del artista”.



Para Bruno Mars, que nunca trató de presentarse como un hombre de negocios, fue algo muy diferente, todo parte de una historia fascinante que es un secreto a voces en los círculos de Hollywood; de hecho, muchas de las personas a las que entrevisté para esta historia preguntaron no debe mencionarse por su nombre, pero se informa completamente por primera vez aquí.



<figure class="wp-block-image"><img decoding="async" src="https://cdn.forbes.com.mx/2022/12/0x0-1.jpg" alt="" class="wp-image-1053156"/><figcaption class="wp-element-caption">Bruno Mars y su exmanager Brandon Creed. Foto Forbes.</figcaption></figure>



<h2 id="h-la-magia-de-los-100mdd-el-porque-bruno-mars-y-otras-estrellas-abandonan-a-sus-managers">La magia de los 100mdd: el porqué Bruno Mars y otras estrellas abandonan a sus managers</h2>



En 2011, cuando conocí a Brandon Creed, el manager que supervisó el ascenso de Mars al estrellato, me contó que él y Mars planeaban tomarse su tiempo para crear seguidores, tocando en lugares más pequeños en una gira conjunta con la cantante Janelle Monáe en lugar de tomar la zambullida en una excursión en solitario más grande o abierto para un nombre más conocido tocando en arenas. Mientras tanto, Mars hizo canciones como “Billionaire”, en la que soñaba con cómo su riqueza futura lo llevaría a la portada de Forbes.



“No tendría que preocuparme por, ya sabes, ‘No puedo permitirme el desayuno, así que esperaré hasta la hora del almuerzo para comer&#8217;”, explicó Mars sobre sus aspiraciones. “Si yo fuera multimillonario, nada de eso importaría. Estaría comiendo cereal de diamante”.



Creed ayudó a Mars a acercarse a ese objetivo, y su estrategia a largo plazo valió la pena: el Moonshine Jungle Tour del cantante, que comenzó en 2013, recaudó más de 150 millones. Después de ganar un estimado de 8 millones en 2011, Mars llegó a la lista Celebrity 100 por primera vez en 2014 con ingresos de 60 millones, luego nuevamente en 2015 con 40 millones.



El ascenso de Mars se produjo en medio de un cambio fundamental en la forma en que se monetiza la música. Décadas atrás, los actos a menudo perdían dinero mientras realizaban giras para promocionar sus álbumes, y tanto los managers como los artistas llenaban sus arcas con las ganancias de las fuertes ventas de música grabada.



Pero a medida que la piratería y luego el streaming redujeron esos ingresos, y a medida que nuevos territorios como Australia, América del Sur y Europa del Este construyeron estadios modernos de 15,000 a 20,000 asientos al estilo estadounidense: la ecuación cambió. De repente, las mejores estrellas estaban dispuestas a romper incluso en la música para vender grandes lugares y ganar millones.



Para los managers, este también fue un gran cambio. En el pasado, los álbumes habían sido una especie de anualidad: aún obtendrían su parte de las ventas constantes, incluso si un artista los despidiera posteriormente. Ese no es el caso con los tours: una vez que terminan, terminan, junto con el efectivo que generan. Ahora también hay más canales de distribución: un grupo de servicios de transmisión y salidas de video además de radio y físico.



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“Significa que hay más lugares para poder exhibir la música de los artistas”, dice Gillespie. “También significa que estás gestionando muchas más relaciones… El título de ‘manager’ siempre ha sido el mismo, pero el rol ha cambiado mucho”.



En los últimos años, algunos decidieron darse un poco más de seguridad. Muchos se unieron a un gran grupo como Artist Nation de Live Nation, que cuenta con más de 60 gerentes, incluidos Oseary y su grupo Maverick. Otros tomaron una ruta diferente. En 2013, Scooter Braun, el hombre detrás de los actos de Justin Bieber y Ariana Grande, recaudó aproximadamente 100 millones, en gran parte de la empresa de servicios financieros de Kansas Waddell &amp; Reed, para comprar grandes participaciones en varias empresas, incluidas las firmas operadas por los gerentes de Drake, Lady Gaga, Jason Aldean y otros.



Un acto de la lista A que no se sabía que fuera parte de ese trato en ese momento: Mars. Según varias fuentes, Creed vendió la mitad de su empresa al fondo respaldado por Waddell por una suma de ocho cifras, pero no se lo dijo a su principal cliente.



“Hubo algo de infelicidad allí”, dice Robb McDaniels, un ejecutivo musical de larga data consultado. “Si el manager vende su compañía… efectivamente, lo que está haciendo es monetizar los contratos de sus artistas y las relaciones con los artistas y no compartir eso con ellos”.



Alrededor de la época en que Mars finalmente se enteró de la naturaleza del acuerdo en 2016, dicen las fuentes, se separó de Creed y tomó sus operaciones de administración internamente, aunque solo Mars puede decir qué parte de su decisión estuvo influenciada por este descubrimiento en lugar del encanto de quedarse con una parte mayor de sus ingresos. Sigue guardando silencio sobre el tema: un portavoz de Mars se negó a comentar, al igual que el propio Creed.



“Si bien algunas personas pueden especular sobre por qué Bruno y Brandon acordaron ir por caminos separados, los hechos solo los conocen ellos”, dice una fuente cercana a Creed. “Brandon está orgulloso de su larga asociación y siempre le desea éxitos continuos a Bruno”.



Los asuntos cotidianos de Mars ahora parecen estar dirigidos por Aaron Elharar, un desconocido cuyo perfil de LinkedIn enumera su profesión como gestión de artistas y experiencia previa en el desarrollo de negocios empresariales, sin mencionar a Mars. No respondió a una solicitud de comentarios.



Aún así, la situación de gestión de Mars parece lo suficientemente clara. Su sitio web oficial apunta a “inquiries@gorillamgmt.com”; el sitio web de Gorilla Management consiste simplemente en el nombre del equipo, las palabras “FULL FIRE” y la misma dirección de correo electrónico. Gorilla no enumera otros clientes y no respondió a una solicitud de comentarios. Una búsqueda en los registros públicos revela que la compañía estaba registrada tanto en California como en Delaware y se formó en 2002, justo cuando Mars se mudó de su Hawái natal a Los Ángeles para perseguir sus sueños musicales. El sitio web de Gorilla no se registró hasta 2016, el año en que Mars se separó de Creed; La dirección de correo electrónico de Elharar figura en la presentación. Y luego está esto: la primera canción escrita para Unorthodox Jukebox de Mars, su último álbum con Creed, se llama “Gorilla”.



A pesar de la separación de Mars hace dos años, Creed sigue prosperando. No mucho después de vender la mitad de su empresa a Braun, se asoció con una potencia de gestión diferente, fusionando su empresa con la de la estrella en ascenso Jeffrey Azoff para crear Full Stop Management. (El padre de Jeffrey, la potencia del negocio de la música Irving, también es socio). Su lista combinada ahora incluye a Harry Styles, Sara Bareilles, Bon Jovi y los Eagles.



Ni Waddell &amp; Reed ni Braun aceptaron ser entrevistados para esta historia, por lo que es difícil decir definitivamente cómo funcionó el trato para el gigante financiero. En este sentido, un análisis rápido de los informes anuales recientes de Waddell no revela nada relacionado con la gestión musical. Al final del día, el desembolso es apenas perceptible para una empresa con unos 80,000 millones de dólares en activos bajo gestión.



Mientras tanto, Braun se ha convertido en uno de los agentes de poder de Hollywood. Además de su lista de gestión, que dirige con la ayuda de un ejército de jóvenes sustitutos, también participa activamente en una variedad de otras empresas, incluida Silent Labs, a través de la cual ha invertido en nuevas empresas como Uber, Spotify, Casper y Pinterest.



No obstante, el espacio de gestión musical continúa cambiando. Hace dos años, McDaniels cofundó una empresa llamada Faction para brindar a los actos las herramientas necesarias para autogestionarse con la ayuda de una aplicación que conecta cuentas sociales, plataformas de transmisión y cualquier otra información comercial relevante en un solo lugar.



Si un artista despega, Faction puede ofrecer personal con experiencia real en gestión por una tarifa fija o un recorte del 5 al 10%; ese arreglo también ha atraído a músicos establecidos, incluida la estrella electrónica Paul Oakenfold. “Estamos tratando de experimentar con este nuevo modelo de gestión”, dice McDaniels, quien ahora se desempeña como jefe de Beatport mientras preside Faction. “Y está mostrando algún tipo de éxito”.



A medida que la transmisión sigue aumentando y los actos como Mars interrumpen la industria de la música, la gestión tradicional se está convirtiendo en una carrera profesional menos atractiva.



“Muchos gerentes jóvenes que han ganado mucho dinero en la gestión están cambiando de opinión hacia la creación de sellos discográficos, y muchos de ellos se están asociando con grandes”, dice Justin Lubliner, de 28 años, que administra actos que incluyen música electrónica, como en ascendente Gryffin y cuenta con su propio sello, Darkroom Records, a través de Interscope.



En cuanto a Mars, no esperen que disminuya la velocidad en el corto plazo. Su 24K Magic Tour finalizó mediados de noviembre. Si el año pasado fue una referencia, debería poder pagar fácilmente una caja de esos copos de maíz de diamante, y ciertamente no tendrá que darle nada a nadie más.



<a href="https://www.forbes.com/sites/forbesdigitalcovers/2018/07/16/100m-magic-why-bruno-mars-and-other-stars-are-ditching-their-managers/?utm_source=for_you_1&amp;sh=1b1b155525b5" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Publicado en Forbes US.</a>

La magia de los 100mdd: por qué Bruno Mars y otras estrellas abandonan a sus managers

El año pasado fue un año record para la industria de la producción y grabación musical del mundo por cuenta de los US$25.900 millones que se facturaron en los 12 meses de 2021. Sorprenden las cifras de la industria de la música.



El sector viene mostrando una recuperación por cuenta de que los servicios de streaming ya se impusieron como la principal plataforma de comercialización de las creaciones musicales. Según las cifras del Global Music Report de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (Ifpi, por sus siglas en inglés), los servicios de streaming como Spotify, Deezer, Apple Music y Amazon Music, ya representan el 65% del total de los ingresos de la música: allí están no solo las suscripciones sino también la publicidad que se transmite por estas plataformas.



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Aquí es donde realmente se pone en evidencia el cambio en la industria, que tiene que acudir a compañías especializadas para ofrecer los servicios que permitan a los artistas tener éxito en estos nuevos entornos digitales.



Según Diego Maldonado, Global Head of Rights Management de ONErpm, compañía de soluciones musicales, el mercado ha cambiado mucho y ahora no solo basta con que se ofrezcan servicios de distribución.



“Hay que incorporar al portafolio otros servicios y conformar una verdadera ‘suit’ de servicios para todos los creadores: lo que queremos es ayudarlos a crecer sus carreras, hacerlas exitosas sostenibles y que encuentren en&nbsp; la música una forma de vivir”, comentó el ejecutivo.



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Esta compañía ofrece hoy sus servicios en Colombia a artistas como Grupo Niche, Pepe Aguilar, Tito Nieves, Nanpa Básico, Ken Y, Cosculluela, Diego Daza, Jhonny Rivera, Juliana Velásquez, LosPetitFellas e Irepelusa.



En el mismo sentido se pronuncia Paula Guerra, Head of Marketing &#8211; Andean Caribbean Regions de la firma, al señalar que los servicios (que van desde distribución, hasta marketing, administración de activos digitales, networking y gestión de derechos) apuntan a escalar las posibilidades de los artistas.



<figure class="wp-block-image size-large"><img decoding="async" width="1024" height="576" src="https://cdn.forbes.co/2022/09/Onerpm-1024x576.png" alt="" class="wp-image-154563" srcset="https://cdn.forbes.co/2022/09/Onerpm-1024x576.png 1024w, https://cdn.forbes.co/2022/09/Onerpm-300x169.png 300w, https://cdn.forbes.co/2022/09/Onerpm-768x432.png 768w, https://cdn.forbes.co/2022/09/Onerpm.png 1280w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Paula Guerra, Head of Marketing &#8211; Andean Caribbean Regions y Diego Maldonado:&nbsp;Global Head of Rights Management&nbsp; de ONErpm</figcaption></figure>



“Dependiendo de en qué momento esté un artista lo apoyamo con diferentes cosas como distribución, <a href="https://editorial.forbes.co/2022/09/13/negocios/youtube-una-mina-de-oro-para-la-musica-pago-us6000-millones-a-la-industria-a-nivel-global/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">marketing o acompañamiento especializado </a>para lograr colaboraciones con artistas de otros territorios”, explicó.



Para la ejecutiva, estas colaboraciones se están convirtiendo en una estrategia útil para dar visibilidad.



ONErpm hace presencia en prácticamente todo el territorio de Latinoamérica y en Estados Unidos, Europa, África y Australia.



Acerca de los contextos digitales, es claro que los artistas están enfrentando desafíos que se ven en todas las industrias por cuenta de la revolución 4.0. El uso de inteligencia artificial y analítica de datos es clave para poder segmentar audiencias y llegar de manera más efectiva a nuevos usuarios o fidelizar los que ya han sido conquistados. Eso permite lograr mejores cifras de la industria de la música.



“Somos muy conscientes de que en este nuevo entorno se producen datos por toneladas. Eso nos permite saber quiénes son los consumidores, los espacios en donde escuchan, los horarios y las geografías. Eso nos permite definir estrategias más de acupuntura para cada caso”, explicó Maldonado.



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Uno de los frentes donde muchos artistas necesitan de asesoría es en la gestión de sus derechos, pues el marco legal puede resultar confuso para alguien no experto. Así, alguien puede solo estar explotando sus derechos patrimoniales y no los derechos de interpretación.



El mercado mundial de servicios de soluciones musicales cuenta con actores clave como Distrokid, CDBaby y Landr.



A propósito del boom de música que hay en la región, los dos ejecutivos explican que en la región se están lanzando unas 60 canciones a la semana por cuenta de artistas consolidados y que si se da una mirada a los artistas nuevos, están apareciendo unas 500 canciones adicionales al mes.



Se espera que este año, el ritmo de crecimiento de la industria musical continúe, lo que podría llevar en 2030 toda la industria musical (no solo producción y distribución, sino también presentaciones en vivo y publishing) a un valor total de US$131.000 millones, según la más reciente estimación de Goldman Sachs. ¡Un verdadero negocio billonario!

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La fórmula del éxito para el millonario negocio de la música hoy

Las plataformas digitales han cambiado el ritmo de la industria musical. El abrumador éxito de muchos&nbsp;hits&nbsp;musicales no habría sido el mismo sin YouTube, por ejemplo. Y es justo la vertical de videos de Google uno de los jugadores más relevantes. Solo entre julio de 2021 y junio de este año, YouTube pagó más de 6,000 millones de dólares a la industria musical en todo el mundo, que representa un crecimiento de 2,000 millones de dólares con respecto al año previo.



El director global de música de YouTube, Lyor Cohen, comentó en un blog que la plataforma se mantiene concentrada en convertirse en el jugador número uno en cuanto a retribución de ganancias para la industria musical global, “mientras también construimos una experiencia musical conectada en todos los formatos de música para los fanáticos y artistas que permite el descubrimiento, el consumo y la participación”.



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Los esfuerzos de YouTube se han enfocado en hacer que los anuncios y las suscripciones sean la principal fuente de ingresos en el sector para 2025 y en ese sentido ha desarrollado nuevos formatos para el consumo de contenido como shorts, videos largos, pistas de audio, transmisiones en vivo.



Un ejemplo fue el reciente concierto-homenaje que el líder de la banda Foo Fighters, Dave Grohl, hizo a su fallecido amigo y baterista Taylor Hawkins, espectáculo que fue sintonizado por miles de personas a nivel global a través del canal oficial de MTV en YouTube.



“YouTube también apuesta por el contenido generado por usuarios (CGU) y como la plataforma pionera en monetización del contenido, ha generado más del 30% de los ingresos de compositores y titulares de derechos por segundo año consecutivo. Mientras que los Shorts generan 30,000 millones de visualizaciones al día, con 1,500 millones de usuarios conectados cada mes”, destacó YouTube en un comunicado.



Los fans pueden encontrar contenido único, con artistas globales y lanzamientos exclusivos, como el&nbsp;teaser&nbsp;del video musical y el lanzamiento de&nbsp;Pink Venom&nbsp;de BlackPink, el cual se posicionó como el lanzamiento más popular de un video musical del 2022 en solo 24 horas y el tercero que ha llegado a más usuarios en un día hasta el momento.



“YouTube no solo es el mayor contribuidor de ingresos de la industria musical, es una plataforma esencial para el desarrollo de artistas, la música independiente y la promoción musical. He visto de primera mano cómo los artistas se benefician del potencial del multiformato en YouTube. Desde los estrenos de videos, hasta las transmisiones en vivo, Shorts y mucho más”, dijo Noah Assad, CEO de Rimas Music y mánager de Bad Bunny.



“La plataforma está en constante evolución, trabajando para construir carreras de artistas y ayudándolos a llegar a los fanáticos alrededor del mundo con resultados duraderos. YouTube es donde la comunidad y la cultura se conectan”, añadió Assad.



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Las redes sociales tienen poderes para muchas cosas, entre ellos para formar a los artistas de la próxima generación. Bien sea con videos virales de corta duración o con “fábricas” o “incubadoras” de artistas, como ha hecho YouTube desde hace 7 años, donde los artistas pueden crear su base de seguidores.



De acuerdo con la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, el año pasado los ingresos globales de la música crecieron al ritmo más rápido en más de dos décadas, con la ayuda de artistas como BTS, Taylor Swift o Adele.&nbsp; Los ingresos aumentaron 18.5% para llegar a 25,900 millones de dólares en 2021.



Según el reporte, esta aceleración fue impulsada por el streaming, cuyos usuarios globales pasaron de 443 millones en 2020 a 532 en 2021. De hecho, el streaming representa el 65% de los ingresos totales de la industria musical. Estos números justifican el interés de las plataformas digitales por convertirse en fábricas o incubadoras de artistas.

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YouTube, una mina de oro para la música: pagó US$6,000 millones a la industria a nivel global

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